sabato 24 maggio
ore 10.00
oratorio della carità

La passione, il fare | conversazioni

La passione, il fare

Fare è proporsi all’altro con la propria capacità di costruire cose materiali ed immateriali. E’ estrarre e rendere esplicita, dall’interno dell’anima, la passione di agire e di vivere, comunicandola all’esterno. Fare, nel linguaggio degli antichi, era “poiesis”, che noi, moderni, abbiamo tradotto con “poesia”, separando –indebitamente- il concetto dall’agire materiale. Ma, in realtà, del “fare”, la poesia è l’espressione più diretta e più alta.

partecipano:

Marilena Mosco
la passione dell’arte
Carmen Lasorella
la passione civile
Alberto Quattrucci
Comunità di Sant’Egidio
la passione sociale

venerdi 23 maggio
ore 16.00
Spedale Santa Maria del Buon Gesù

apertura del festival | Mòstrati, amore, e bastami.

Mostrati, amore, e bastami.

Maria Maddalena e Caravaggio: percorsi di vita quanto mai lontani fra loro nel tempo e nelle vicende dell’amare e del vivere. Eppure, entrambi, percorsi di passione intensa e bruciante, congiunti in una straordinaria opera d’arte: il pittore “maledetto” che rappresenta la “santa” nell’abbandono del suo pentimento… Maria Maddalena e Fabriano: legati, da tempo immemorabile dalla devozione dei cartai alla Santa, loro patrona e protettrice. E, a Fabriano, Maria Maddalena, ritratta dal grande Maestro, apre le giornate di Poiesis, con una Mostra unica e irripetibile.

sabato 24 maggio
ore 20.30
piazza del comune

paesaggio d’immagini | Paolo Buroni

multivisione architetturale di Paolo Buroni

Spettacolarizzare la piazza di Fabriano con proiezioni di immagini per dare luogo ad un vero e proprio “Paesaggio di Immagini”. La piazza si trasforma in un grande affresco in dissolvenza incrociata e crea assieme alla musica in sottofondo un’ambientazione virtuale a tema in continuo cambiamento

in replica alle ore 23.00

venerdi 23 maggio
ore 21.30
piazza del comune

paesaggio d’immagini | Paolo Buroni

multivisione architetturale di Paolo Buroni

Spettacolarizzare la piazza di Fabriano con proiezioni di immagini per dare luogo ad un vero e proprio “Paesaggio di Immagini”. La piazza si trasforma in un grande affresco in dissolvenza incrociata e crea assieme alla musica in sottofondo un’ambientazione virtuale a tema in continuo cambiamento

in replica alle ore 23.30

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
loggiato del palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Enrico Benetta

Enrico Benetta è nato il 15 luglio 1977 a Montebelluna (Treviso), dove ancora oggi vive e lavora. Laureatosi in Decorazione presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha iniziato ormai da diversi anni il proprio percorso artistico, riscuotendo ampi riconoscimenti di pubblico e di critica.
Nel 2002 ha partecipato ad un master in comunicazione presso il network internazionale di architetture di identità, INAREA, esperienza che si è tradotta in una assidua collaborazione artistico-professionale.

Già dal 1998, le sue opere sono presentate in numerose mostre collettive in Italia.
Benetta è stato protagonista di INCANTO - Affabulazione e Immaginazione che si è svolto da giugno a settembre 2007 ad Asolo e Treviso, percorso artistico, dedicato a bambini ed adulti, volto ad approfondire il tema della letteratura fantastica attraverso l’arte contemporanea. Una serie di installazioni ed opere che hanno spaziato nell'universo della narrazione fantastica, dai cavalli della giostra alla gigantesca salopette dai colori forti ed intensi, alla tavola dell'amore regale, alle sedie di un'orchestra immaginaria. Sempre lo scorso anno, Reflection on Art è stata esposta a Dubai al Salone delle Esposizioni e nello Showroom della Frau.

Il mondo artistico di Enrico Benetta richiama fortemente la narrativa del fantastico di Italo Calvino, soprattutto nell'approfondimento tematico sospeso tra vita e sogno delle -città invisibili-, facendosene rappresentazione e -teatro- dell'anima. Con allegria, senso ironico e un pizzico di poesia il giovane artista si diverte a creare dei veri e propri allestimenti fatti di calligrafie e oggetti, sempre fuori misura, che sembrano pescati, novello Alice, da un suo “Paese delle meraviglie” o suggeriti da una scrittura acuta e favolistica come quella di Italo Calvino.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
galleria palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Luciano Bobba

Luciano Bobba, nato a Casale Monferrato nel 1957, dalla fine degli anni Ottanta sperimenta nella sua ricerca artistica varie forme espressive, dalla fotografia tradizionale a quella digitale, dalla videoarte alla pittura. La sua formazione trova perfezionamento a Los Angeles, dove frequenta la sia la Otis Parsons School of Visual Art sia la West Coast University e collabora con il MOCA, Museum of Contemporary Art.

Dal 2006 è nello staff organizzativo del Luccadigitalphotofest in qualità di curatore della sezione videoarte, I suoi lavori artistici sono stati presentati in diverse mostre personali e collettive a livello nazionale ed internazionale. Per quanto riguarda le solo exhibitions, il suo punto di partenza è stato a Roma con la mostra “Presenza/Assenza”, ma in seguito si muove soprattutto nell’ambiente milanese, proponendosi in spazi quali la Galleria Gonda (Sguardi, 2001) e la Galleria Il Torchio Costantini Arte Contemporanea (2005 e 2007), nella quale espone due mostre che segnano la sua parabola artistica: “Urlo Bepop” e “New York metro-polis”. La prima di queste è un omaggio ad Allen Ginsberg, poeta americano della Beat Generation e sul cui ritratto fotografico è basata. E’ una mostra statica e dinamica nello stesso tempo: la parte “statica” è formata da 10 opere su tela, mentre quella “dinamica” è costituita da un video che mostra la trasformazione del volto di Ginsberg attraverso quelle stesse 10 immagini, visualizzate in movimento. La seconda mostra trova nella metropoli del moto perpetuo lo spunto per costruire un racconto per immagini. Qui ha trovato una visione inedita, basata sulla capacità di osservare la realtà senza modificarla, immortalandola con piccole macchine maneggevoli e sfruttandone le superfici riflettenti. Questi ultimi aspetti si ritrovano nella sua ultima mostra personale “Divercity metro-polis” (Milano, 2008), nella quale però sono protagoniste ben cinque grandi città, da Parigi a Saigon.

Il lavoro di Luciano Bobba è la trasposizione del suo interesse verso le tecnologie digitali e verso la società attuale, viste entrambe come realtà mutevoli, indefinite e portatrici di mistero.
La sua perizia tecnica è mediata da uno sguardo assolutamente libero e indipendente, il quale rende così meno evidente l’elaboriosità della ricerca artistica.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
spedale di Santa Maria del Buon Gesù

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Bruno D’Arcevia

Bruno D’Arcevia, che nel 1972 scelse di lasciare il proprio cognome Bruni per prendere quello del suo paese natale, è nato ad Arcevia il 21 ottobre 1946. Ha frequentato il Liceo Artistico e la facoltà di Architettura a Roma. Oggi vive e lavora a Roma. Alla fine degli anni Sessanta, ha iniziato un genere di pittura che lo ha portato a ripercorrere a ritroso il corso della storia dell'arte italiana, in evidente contrasto con la "logica" dell'Avanguardia.

Nel corso della sua carriera artistica ha ricevuto numerosi inviti ufficiali e committenze pubbliche italiane ed internazionali. Nel 1978 ha eseguito, fra gli altri, il ritratto del Presidente della Repubblica del Venezuela Carlos Andrè Perez.

Negli anni Ottanta, ha dato vita, insieme al critico Giuseppe Gatt, al movimento Nuova Maniera Italiana, che nel 1986 ha ottenuto un concreto riconoscimento istituzionale alla XI Quadriennale d’Arte di Roma. Al 1988 risale la sua prima personale alla Galleria Apollodoro di Roma, dal titolo “De Coelo”, con un ciclo di pitture inspirate a temi astrologici. Nello stesso periodo è approdato negli Stati Uniti, dove ha raccolto ampi riconoscimenti. Fra il 1997 e il 1998, ha lavorato all’interno del Santuario di San Francesco di Paola a Paola (Cosenza), dove, oltre a numerose tele ad olio, ha realizzato un affresco di 20mq.

Nel 2000, l’università americana dell’Ohio lo ha invitato a realizzare una serie di dipinti, utilizzando la mitologia per illustrare le molteplici ricerche nel campo della diagnostica e della terapia. Risalgono allo stesso anno, due importanti mostre americane The Allegorical Paintings of Bruno d’Arcevia e Heroic Quests & the Mythology of Paintings.

Nel 2001, ha fondato il movimento di Revivalismo che si propone una continua ricerca sui temi della citazione e della classicità, riscuotendo ampio consenso di pubblico e di critica.

La pittura di Bruno d’Arcevia, richiamando in vita antichi scenari della lunga tradizione della pittura italiana, testimonia un’eccelsa abilità nell’uso della matita e del pennello. Sembra, quasi, che l’arte voglia rivisitare se stessa, richiamando in vita fantasmi del passato e momenti del proprio trascorso splendore. Le sue figure riemergono in una visionarietà quasi surrealista, che incute terrore e spavento, coinvolgendo lo spettatore in un’atmosfera magica ed onirica.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
foyer del teatro Gentile

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Andrea Pacioni

Andrea Pacioni nasce nel 1970 a Roma, città nella quale si diploma presso un istituto di stato per la cinematografia e per la televisione. E’soprattutto dall’incontro nel 1992 con Arthur Patten, ritrattista e suo maestro, che nasce però nell’artista la necessità di approfondire la sua ricerca, volta principalmente alla scoperta di nuovi materiali sui quali impressionare ed imprigionare le proprie immagini. Dopo due anni di sperimentazioni con la camera oscura, vengono così alla luce “Plumbee visioni”, sei immagini b/n stampate manualmente su fogli di piombo ed esposte a Roma, Londra e Parigi. Grande appassionato di jazz, dal 2000 inizia a muoversi in campo musicale, dando vita ad alcune copertine di dischi, tra le quali “La dolce vita” del Tommaso/Rava Quartet e ad altre legate alle iniziative della CAM-JAZZ.

Nel 2004, comincia a collaborare su vari progetti del Saint Louis College of Music di Roma per il quale, in onore del trentennale della fondazione, realizza anche “Jazz Moment”, mostra di trenta ritratti di musicisti jazz italiani e internazionali. Da qui seguono il libro omonimo e, nel 2005, la pubblicazione di alcune sue opere come copertina e come contenuti interni nel “Real Book Italian Jazz”, edito dalla Carish.

Nel 2006 torna ad impressionare immagini su supporti inusuali, come l’ardesia nera utilizzata per l’opera “Il corpo di Cristo”, esposta nella basilica romana di S. Maria in Montesanto ed in cui è rappresentato un ragazzo di colore raffigurante la crocefissione.

Sempre in quell’anno, la Galleria Santa Cecilia di Roma presenta l’ultimo lavoro di Pacioni, intitolato “Anime”, realizzato all’interno dell’istituto Città dei ragazzi e costituito da veli leggerissimi di emulsione fotografica priva di supporto, il tutto appeso ad un finissimo filo d’acciaio all’interno di teche di ferro e vetro.

Dal 2004 è socio onorario della UIL-Unione Nazionale Scrittori e Artisti, vive e lavora a Roma.

Il lavoro di Andrea Pacioni è protagonista di una costante ricerca, tecnica e stilistica, che si muove nei campi della fotografia pura, della scultura e della musica. La sua poetica si lega strettamente al supporto utilizzato, visto non solo come base sulla quale operare, ma anche e soprattutto come elemento caratterizzante del suo messaggio. Grazie ad una notevole sensibilità artistica ed umana, riesce a infondere un’aria sacra ai soggetti profani e a rendere più terreni quelli divini.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
corridoio interno del palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Lucio Salvatore

Lucio Salvatore è nato a Cassino nel 1975 e si è laureato in economia alla Bocconi di Milano, ma è artisticamente cresciuto tra New York e Rio de Janeiro. Nella città carioca crea ed espone una serie di ritratti ispirati alla bossanova (ritmo derivato dal samba, simbolo della ripresa economica del Brasile negli anni Cinquanta) e al sentimento di “essere nulla” di sartriana memoria.

Nel 2002, tornando in Italia, è testimone dei rovinosi incendi che si abbattono nel sud Italia i quali, dopo essere stati immortalati con il suo obiettivo, diventano la base del suo lavoro. Il fuoco, che avvolge le figure in movimento adagiate sul fondo della sua piscina, brucia la materia (soggetto dei suoi primi lavori) e la trasforma in linguaggio.

Così, dal 2005, Salvatore si dedica al dipingere frammenti di filosofi pre-socratici (Eraclito di Efeso e Anassimandro di Mileto), sempre più diretto verso l’essenza del divenire, fino a giungere al frammento Il principio di tutte le cose che sono è l’infinito, vero e proprio centro della sua poetica. Dal 2006 la sua critica si rivolge principalmente agli stravolgimenti che la Natura è costretta a subire in quantità crescente, individuando nel colore blu e nel verde i reali portatori del suo messaggio. Queste tele astratte, sempre più spesso attraversate da macchie di sangue, riportano in primo piano l’aggressione compiuta giornalmente dall’uomo nei confronti del creato, in un assurdo tentativo di dominio sul mondo. A simbolo di ciò, è l’installazione di tele all’interno del Jardim Botanico di Rio de Janeiro tenutasi nel marzo 2008, una denuncia palese del degrado al quale l’environment è sottoposto e delle sue possibili conseguenze catastrofiche.

Proprio nel 2008 il climax ascendente dell’opera di Salvatore trova il suo apice, donando al sangue importanza primaria e trasformandolo in canone di paragone e di giudizio sull’epoca contemporanea.

Varia e policroma, ricercata e semplice, di denuncia e piacevole. L’opera di Lucio Salvatore può essere definita così, una costante chiarezza di significati dietro una celata identità del significante.

Colpisce subito il cuore, subito dopo la mente. Fotografie, pitture su tela, video, sculture e installazioni: questi sono i terreni sui quali l’artista si muove, da sempre per la dignità e salvezza del nostro medio-ambiente.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
loggiato del palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Enrico Benetta

Enrico Benetta è nato il 15 luglio 1977 a Montebelluna (Treviso), dove ancora oggi vive e lavora. Laureatosi in Decorazione presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha iniziato ormai da diversi anni il proprio percorso artistico, riscuotendo ampi riconoscimenti di pubblico e di critica.
Nel 2002 ha partecipato ad un master in comunicazione presso il network internazionale di architetture di identità, INAREA, esperienza che si è tradotta in una assidua collaborazione artistico-professionale.

Già dal 1998, le sue opere sono presentate in numerose mostre collettive in Italia.
Benetta è stato protagonista di INCANTO - Affabulazione e Immaginazione che si è svolto da giugno a settembre 2007 ad Asolo e Treviso, percorso artistico, dedicato a bambini ed adulti, volto ad approfondire il tema della letteratura fantastica attraverso l’arte contemporanea. Una serie di installazioni ed opere che hanno spaziato nell'universo della narrazione fantastica, dai cavalli della giostra alla gigantesca salopette dai colori forti ed intensi, alla tavola dell'amore regale, alle sedie di un'orchestra immaginaria. Sempre lo scorso anno, Reflection on Art è stata esposta a Dubai al Salone delle Esposizioni e nello Showroom della Frau.

Il mondo artistico di Enrico Benetta richiama fortemente la narrativa del fantastico di Italo Calvino, soprattutto nell'approfondimento tematico sospeso tra vita e sogno delle -città invisibili-, facendosene rappresentazione e -teatro- dell'anima. Con allegria, senso ironico e un pizzico di poesia il giovane artista si diverte a creare dei veri e propri allestimenti fatti di calligrafie e oggetti, sempre fuori misura, che sembrano pescati, novello Alice, da un suo “Paese delle meraviglie” o suggeriti da una scrittura acuta e favolistica come quella di Italo Calvino.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
galleria palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Luciano Bobba

Luciano Bobba, nato a Casale Monferrato nel 1957, dalla fine degli anni Ottanta sperimenta nella sua ricerca artistica varie forme espressive, dalla fotografia tradizionale a quella digitale, dalla videoarte alla pittura. La sua formazione trova perfezionamento a Los Angeles, dove frequenta la sia la Otis Parsons School of Visual Art sia la West Coast University e collabora con il MOCA, Museum of Contemporary Art.

Dal 2006 è nello staff organizzativo del Luccadigitalphotofest in qualità di curatore della sezione videoarte, I suoi lavori artistici sono stati presentati in diverse mostre personali e collettive a livello nazionale ed internazionale. Per quanto riguarda le solo exhibitions, il suo punto di partenza è stato a Roma con la mostra “Presenza/Assenza”, ma in seguito si muove soprattutto nell’ambiente milanese, proponendosi in spazi quali la Galleria Gonda (Sguardi, 2001) e la Galleria Il Torchio Costantini Arte Contemporanea (2005 e 2007), nella quale espone due mostre che segnano la sua parabola artistica: “Urlo Bepop” e “New York metro-polis”. La prima di queste è un omaggio ad Allen Ginsberg, poeta americano della Beat Generation e sul cui ritratto fotografico è basata. E’ una mostra statica e dinamica nello stesso tempo: la parte “statica” è formata da 10 opere su tela, mentre quella “dinamica” è costituita da un video che mostra la trasformazione del volto di Ginsberg attraverso quelle stesse 10 immagini, visualizzate in movimento. La seconda mostra trova nella metropoli del moto perpetuo lo spunto per costruire un racconto per immagini. Qui ha trovato una visione inedita, basata sulla capacità di osservare la realtà senza modificarla, immortalandola con piccole macchine maneggevoli e sfruttandone le superfici riflettenti. Questi ultimi aspetti si ritrovano nella sua ultima mostra personale “Divercity metro-polis” (Milano, 2008), nella quale però sono protagoniste ben cinque grandi città, da Parigi a Saigon.

Il lavoro di Luciano Bobba è la trasposizione del suo interesse verso le tecnologie digitali e verso la società attuale, viste entrambe come realtà mutevoli, indefinite e portatrici di mistero.
La sua perizia tecnica è mediata da uno sguardo assolutamente libero e indipendente, il quale rende così meno evidente l’elaboriosità della ricerca artistica.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
spedale di Santa Maria del Buon Gesù

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Bruno D’Arcevia

Bruno D’Arcevia, che nel 1972 scelse di lasciare il proprio cognome Bruni per prendere quello del suo paese natale, è nato ad Arcevia il 21 ottobre 1946. Ha frequentato il Liceo Artistico e la facoltà di Architettura a Roma. Oggi vive e lavora a Roma. Alla fine degli anni Sessanta, ha iniziato un genere di pittura che lo ha portato a ripercorrere a ritroso il corso della storia dell'arte italiana, in evidente contrasto con la "logica" dell'Avanguardia.

Nel corso della sua carriera artistica ha ricevuto numerosi inviti ufficiali e committenze pubbliche italiane ed internazionali. Nel 1978 ha eseguito, fra gli altri, il ritratto del Presidente della Repubblica del Venezuela Carlos Andrè Perez.

Negli anni Ottanta, ha dato vita, insieme al critico Giuseppe Gatt, al movimento Nuova Maniera Italiana, che nel 1986 ha ottenuto un concreto riconoscimento istituzionale alla XI Quadriennale d’Arte di Roma. Al 1988 risale la sua prima personale alla Galleria Apollodoro di Roma, dal titolo “De Coelo”, con un ciclo di pitture inspirate a temi astrologici. Nello stesso periodo è approdato negli Stati Uniti, dove ha raccolto ampi riconoscimenti. Fra il 1997 e il 1998, ha lavorato all’interno del Santuario di San Francesco di Paola a Paola (Cosenza), dove, oltre a numerose tele ad olio, ha realizzato un affresco di 20mq.

Nel 2000, l’università americana dell’Ohio lo ha invitato a realizzare una serie di dipinti, utilizzando la mitologia per illustrare le molteplici ricerche nel campo della diagnostica e della terapia. Risalgono allo stesso anno, due importanti mostre americane The Allegorical Paintings of Bruno d’Arcevia e Heroic Quests & the Mythology of Paintings.

Nel 2001, ha fondato il movimento di Revivalismo che si propone una continua ricerca sui temi della citazione e della classicità, riscuotendo ampio consenso di pubblico e di critica.

La pittura di Bruno d’Arcevia, richiamando in vita antichi scenari della lunga tradizione della pittura italiana, testimonia un’eccelsa abilità nell’uso della matita e del pennello. Sembra, quasi, che l’arte voglia rivisitare se stessa, richiamando in vita fantasmi del passato e momenti del proprio trascorso splendore. Le sue figure riemergono in una visionarietà quasi surrealista, che incute terrore e spavento, coinvolgendo lo spettatore in un’atmosfera magica ed onirica.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
foyer del teatro Gentile

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Andrea Pacioni

Andrea Pacioni nasce nel 1970 a Roma, città nella quale si diploma presso un istituto di stato per la cinematografia e per la televisione. E’soprattutto dall’incontro nel 1992 con Arthur Patten, ritrattista e suo maestro, che nasce però nell’artista la necessità di approfondire la sua ricerca, volta principalmente alla scoperta di nuovi materiali sui quali impressionare ed imprigionare le proprie immagini. Dopo due anni di sperimentazioni con la camera oscura, vengono così alla luce “Plumbee visioni”, sei immagini b/n stampate manualmente su fogli di piombo ed esposte a Roma, Londra e Parigi. Grande appassionato di jazz, dal 2000 inizia a muoversi in campo musicale, dando vita ad alcune copertine di dischi, tra le quali “La dolce vita” del Tommaso/Rava Quartet e ad altre legate alle iniziative della CAM-JAZZ.

Nel 2004, comincia a collaborare su vari progetti del Saint Louis College of Music di Roma per il quale, in onore del trentennale della fondazione, realizza anche “Jazz Moment”, mostra di trenta ritratti di musicisti jazz italiani e internazionali. Da qui seguono il libro omonimo e, nel 2005, la pubblicazione di alcune sue opere come copertina e come contenuti interni nel “Real Book Italian Jazz”, edito dalla Carish.

Nel 2006 torna ad impressionare immagini su supporti inusuali, come l’ardesia nera utilizzata per l’opera “Il corpo di Cristo”, esposta nella basilica romana di S. Maria in Montesanto ed in cui è rappresentato un ragazzo di colore raffigurante la crocefissione.

Sempre in quell’anno, la Galleria Santa Cecilia di Roma presenta l’ultimo lavoro di Pacioni, intitolato “Anime”, realizzato all’interno dell’istituto Città dei ragazzi e costituito da veli leggerissimi di emulsione fotografica priva di supporto, il tutto appeso ad un finissimo filo d’acciaio all’interno di teche di ferro e vetro.

Dal 2004 è socio onorario della UIL-Unione Nazionale Scrittori e Artisti, vive e lavora a Roma.

Il lavoro di Andrea Pacioni è protagonista di una costante ricerca, tecnica e stilistica, che si muove nei campi della fotografia pura, della scultura e della musica. La sua poetica si lega strettamente al supporto utilizzato, visto non solo come base sulla quale operare, ma anche e soprattutto come elemento caratterizzante del suo messaggio. Grazie ad una notevole sensibilità artistica ed umana, riesce a infondere un’aria sacra ai soggetti profani e a rendere più terreni quelli divini.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
corridoio interno del palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Lucio Salvatore

Lucio Salvatore è nato a Cassino nel 1975 e si è laureato in economia alla Bocconi di Milano, ma è artisticamente cresciuto tra New York e Rio de Janeiro. Nella città carioca crea ed espone una serie di ritratti ispirati alla bossanova (ritmo derivato dal samba, simbolo della ripresa economica del Brasile negli anni Cinquanta) e al sentimento di “essere nulla” di sartriana memoria.

Nel 2002, tornando in Italia, è testimone dei rovinosi incendi che si abbattono nel sud Italia i quali, dopo essere stati immortalati con il suo obiettivo, diventano la base del suo lavoro. Il fuoco, che avvolge le figure in movimento adagiate sul fondo della sua piscina, brucia la materia (soggetto dei suoi primi lavori) e la trasforma in linguaggio.

Così, dal 2005, Salvatore si dedica al dipingere frammenti di filosofi pre-socratici (Eraclito di Efeso e Anassimandro di Mileto), sempre più diretto verso l’essenza del divenire, fino a giungere al frammento Il principio di tutte le cose che sono è l’infinito, vero e proprio centro della sua poetica. Dal 2006 la sua critica si rivolge principalmente agli stravolgimenti che la Natura è costretta a subire in quantità crescente, individuando nel colore blu e nel verde i reali portatori del suo messaggio. Queste tele astratte, sempre più spesso attraversate da macchie di sangue, riportano in primo piano l’aggressione compiuta giornalmente dall’uomo nei confronti del creato, in un assurdo tentativo di dominio sul mondo. A simbolo di ciò, è l’installazione di tele all’interno del Jardim Botanico di Rio de Janeiro tenutasi nel marzo 2008, una denuncia palese del degrado al quale l’environment è sottoposto e delle sue possibili conseguenze catastrofiche.

Proprio nel 2008 il climax ascendente dell’opera di Salvatore trova il suo apice, donando al sangue importanza primaria e trasformandolo in canone di paragone e di giudizio sull’epoca contemporanea.

Varia e policroma, ricercata e semplice, di denuncia e piacevole. L’opera di Lucio Salvatore può essere definita così, una costante chiarezza di significati dietro una celata identità del significante.

Colpisce subito il cuore, subito dopo la mente. Fotografie, pitture su tela, video, sculture e installazioni: questi sono i terreni sui quali l’artista si muove, da sempre per la dignità e salvezza del nostro medio-ambiente.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
loggiato del palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Enrico Benetta

Enrico Benetta è nato il 15 luglio 1977 a Montebelluna (Treviso), dove ancora oggi vive e lavora. Laureatosi in Decorazione presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha iniziato ormai da diversi anni il proprio percorso artistico, riscuotendo ampi riconoscimenti di pubblico e di critica.
Nel 2002 ha partecipato ad un master in comunicazione presso il network internazionale di architetture di identità, INAREA, esperienza che si è tradotta in una assidua collaborazione artistico-professionale.

Già dal 1998, le sue opere sono presentate in numerose mostre collettive in Italia.
Benetta è stato protagonista di INCANTO - Affabulazione e Immaginazione che si è svolto da giugno a settembre 2007 ad Asolo e Treviso, percorso artistico, dedicato a bambini ed adulti, volto ad approfondire il tema della letteratura fantastica attraverso l’arte contemporanea. Una serie di installazioni ed opere che hanno spaziato nell'universo della narrazione fantastica, dai cavalli della giostra alla gigantesca salopette dai colori forti ed intensi, alla tavola dell'amore regale, alle sedie di un'orchestra immaginaria. Sempre lo scorso anno, Reflection on Art è stata esposta a Dubai al Salone delle Esposizioni e nello Showroom della Frau.

Il mondo artistico di Enrico Benetta richiama fortemente la narrativa del fantastico di Italo Calvino, soprattutto nell'approfondimento tematico sospeso tra vita e sogno delle -città invisibili-, facendosene rappresentazione e -teatro- dell'anima. Con allegria, senso ironico e un pizzico di poesia il giovane artista si diverte a creare dei veri e propri allestimenti fatti di calligrafie e oggetti, sempre fuori misura, che sembrano pescati, novello Alice, da un suo “Paese delle meraviglie” o suggeriti da una scrittura acuta e favolistica come quella di Italo Calvino.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
galleria palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Luciano Bobba

Luciano Bobba, nato a Casale Monferrato nel 1957, dalla fine degli anni Ottanta sperimenta nella sua ricerca artistica varie forme espressive, dalla fotografia tradizionale a quella digitale, dalla videoarte alla pittura. La sua formazione trova perfezionamento a Los Angeles, dove frequenta la sia la Otis Parsons School of Visual Art sia la West Coast University e collabora con il MOCA, Museum of Contemporary Art.

Dal 2006 è nello staff organizzativo del Luccadigitalphotofest in qualità di curatore della sezione videoarte, I suoi lavori artistici sono stati presentati in diverse mostre personali e collettive a livello nazionale ed internazionale. Per quanto riguarda le solo exhibitions, il suo punto di partenza è stato a Roma con la mostra “Presenza/Assenza”, ma in seguito si muove soprattutto nell’ambiente milanese, proponendosi in spazi quali la Galleria Gonda (Sguardi, 2001) e la Galleria Il Torchio Costantini Arte Contemporanea (2005 e 2007), nella quale espone due mostre che segnano la sua parabola artistica: “Urlo Bepop” e “New York metro-polis”. La prima di queste è un omaggio ad Allen Ginsberg, poeta americano della Beat Generation e sul cui ritratto fotografico è basata. E’ una mostra statica e dinamica nello stesso tempo: la parte “statica” è formata da 10 opere su tela, mentre quella “dinamica” è costituita da un video che mostra la trasformazione del volto di Ginsberg attraverso quelle stesse 10 immagini, visualizzate in movimento. La seconda mostra trova nella metropoli del moto perpetuo lo spunto per costruire un racconto per immagini. Qui ha trovato una visione inedita, basata sulla capacità di osservare la realtà senza modificarla, immortalandola con piccole macchine maneggevoli e sfruttandone le superfici riflettenti. Questi ultimi aspetti si ritrovano nella sua ultima mostra personale “Divercity metro-polis” (Milano, 2008), nella quale però sono protagoniste ben cinque grandi città, da Parigi a Saigon.

Il lavoro di Luciano Bobba è la trasposizione del suo interesse verso le tecnologie digitali e verso la società attuale, viste entrambe come realtà mutevoli, indefinite e portatrici di mistero.
La sua perizia tecnica è mediata da uno sguardo assolutamente libero e indipendente, il quale rende così meno evidente l’elaboriosità della ricerca artistica.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
spedale di Santa Maria del Buon Gesù

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Bruno D’Arcevia

Bruno D’Arcevia, che nel 1972 scelse di lasciare il proprio cognome Bruni per prendere quello del suo paese natale, è nato ad Arcevia il 21 ottobre 1946. Ha frequentato il Liceo Artistico e la facoltà di Architettura a Roma. Oggi vive e lavora a Roma. Alla fine degli anni Sessanta, ha iniziato un genere di pittura che lo ha portato a ripercorrere a ritroso il corso della storia dell'arte italiana, in evidente contrasto con la "logica" dell'Avanguardia.

Nel corso della sua carriera artistica ha ricevuto numerosi inviti ufficiali e committenze pubbliche italiane ed internazionali. Nel 1978 ha eseguito, fra gli altri, il ritratto del Presidente della Repubblica del Venezuela Carlos Andrè Perez.

Negli anni Ottanta, ha dato vita, insieme al critico Giuseppe Gatt, al movimento Nuova Maniera Italiana, che nel 1986 ha ottenuto un concreto riconoscimento istituzionale alla XI Quadriennale d’Arte di Roma. Al 1988 risale la sua prima personale alla Galleria Apollodoro di Roma, dal titolo “De Coelo”, con un ciclo di pitture inspirate a temi astrologici. Nello stesso periodo è approdato negli Stati Uniti, dove ha raccolto ampi riconoscimenti. Fra il 1997 e il 1998, ha lavorato all’interno del Santuario di San Francesco di Paola a Paola (Cosenza), dove, oltre a numerose tele ad olio, ha realizzato un affresco di 20mq.

Nel 2000, l’università americana dell’Ohio lo ha invitato a realizzare una serie di dipinti, utilizzando la mitologia per illustrare le molteplici ricerche nel campo della diagnostica e della terapia. Risalgono allo stesso anno, due importanti mostre americane The Allegorical Paintings of Bruno d’Arcevia e Heroic Quests & the Mythology of Paintings.

Nel 2001, ha fondato il movimento di Revivalismo che si propone una continua ricerca sui temi della citazione e della classicità, riscuotendo ampio consenso di pubblico e di critica.

La pittura di Bruno d’Arcevia, richiamando in vita antichi scenari della lunga tradizione della pittura italiana, testimonia un’eccelsa abilità nell’uso della matita e del pennello. Sembra, quasi, che l’arte voglia rivisitare se stessa, richiamando in vita fantasmi del passato e momenti del proprio trascorso splendore. Le sue figure riemergono in una visionarietà quasi surrealista, che incute terrore e spavento, coinvolgendo lo spettatore in un’atmosfera magica ed onirica.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
foyer del teatro Gentile

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Andrea Pacioni

Andrea Pacioni nasce nel 1970 a Roma, città nella quale si diploma presso un istituto di stato per la cinematografia e per la televisione. E’soprattutto dall’incontro nel 1992 con Arthur Patten, ritrattista e suo maestro, che nasce però nell’artista la necessità di approfondire la sua ricerca, volta principalmente alla scoperta di nuovi materiali sui quali impressionare ed imprigionare le proprie immagini. Dopo due anni di sperimentazioni con la camera oscura, vengono così alla luce “Plumbee visioni”, sei immagini b/n stampate manualmente su fogli di piombo ed esposte a Roma, Londra e Parigi. Grande appassionato di jazz, dal 2000 inizia a muoversi in campo musicale, dando vita ad alcune copertine di dischi, tra le quali “La dolce vita” del Tommaso/Rava Quartet e ad altre legate alle iniziative della CAM-JAZZ.

Nel 2004, comincia a collaborare su vari progetti del Saint Louis College of Music di Roma per il quale, in onore del trentennale della fondazione, realizza anche “Jazz Moment”, mostra di trenta ritratti di musicisti jazz italiani e internazionali. Da qui seguono il libro omonimo e, nel 2005, la pubblicazione di alcune sue opere come copertina e come contenuti interni nel “Real Book Italian Jazz”, edito dalla Carish.

Nel 2006 torna ad impressionare immagini su supporti inusuali, come l’ardesia nera utilizzata per l’opera “Il corpo di Cristo”, esposta nella basilica romana di S. Maria in Montesanto ed in cui è rappresentato un ragazzo di colore raffigurante la crocefissione.

Sempre in quell’anno, la Galleria Santa Cecilia di Roma presenta l’ultimo lavoro di Pacioni, intitolato “Anime”, realizzato all’interno dell’istituto Città dei ragazzi e costituito da veli leggerissimi di emulsione fotografica priva di supporto, il tutto appeso ad un finissimo filo d’acciaio all’interno di teche di ferro e vetro.

Dal 2004 è socio onorario della UIL-Unione Nazionale Scrittori e Artisti, vive e lavora a Roma.

Il lavoro di Andrea Pacioni è protagonista di una costante ricerca, tecnica e stilistica, che si muove nei campi della fotografia pura, della scultura e della musica. La sua poetica si lega strettamente al supporto utilizzato, visto non solo come base sulla quale operare, ma anche e soprattutto come elemento caratterizzante del suo messaggio. Grazie ad una notevole sensibilità artistica ed umana, riesce a infondere un’aria sacra ai soggetti profani e a rendere più terreni quelli divini.

un cammino di passione
stazioni permanenti di arte contemporanea
corridoio interno del palazzo del podestà

via magdalenae | a cura di Angelo Bucarelli

Lucio Salvatore

Lucio Salvatore è nato a Cassino nel 1975 e si è laureato in economia alla Bocconi di Milano, ma è artisticamente cresciuto tra New York e Rio de Janeiro. Nella città carioca crea ed espone una serie di ritratti ispirati alla bossanova (ritmo derivato dal samba, simbolo della ripresa economica del Brasile negli anni Cinquanta) e al sentimento di “essere nulla” di sartriana memoria.

Nel 2002, tornando in Italia, è testimone dei rovinosi incendi che si abbattono nel sud Italia i quali, dopo essere stati immortalati con il suo obiettivo, diventano la base del suo lavoro. Il fuoco, che avvolge le figure in movimento adagiate sul fondo della sua piscina, brucia la materia (soggetto dei suoi primi lavori) e la trasforma in linguaggio.

Così, dal 2005, Salvatore si dedica al dipingere frammenti di filosofi pre-socratici (Eraclito di Efeso e Anassimandro di Mileto), sempre più diretto verso l’essenza del divenire, fino a giungere al frammento Il principio di tutte le cose che sono è l’infinito, vero e proprio centro della sua poetica. Dal 2006 la sua critica si rivolge principalmente agli stravolgimenti che la Natura è costretta a subire in quantità crescente, individuando nel colore blu e nel verde i reali portatori del suo messaggio. Queste tele astratte, sempre più spesso attraversate da macchie di sangue, riportano in primo piano l’aggressione compiuta giornalmente dall’uomo nei confronti del creato, in un assurdo tentativo di dominio sul mondo. A simbolo di ciò, è l’installazione di tele all’interno del Jardim Botanico di Rio de Janeiro tenutasi nel marzo 2008, una denuncia palese del degrado al quale l’environment è sottoposto e delle sue possibili conseguenze catastrofiche.

Proprio nel 2008 il climax ascendente dell’opera di Salvatore trova il suo apice, donando al sangue importanza primaria e trasformandolo in canone di paragone e di giudizio sull’epoca contemporanea.

Varia e policroma, ricercata e semplice, di denuncia e piacevole. L’opera di Lucio Salvatore può essere definita così, una costante chiarezza di significati dietro una celata identità del significante.

Colpisce subito il cuore, subito dopo la mente. Fotografie, pitture su tela, video, sculture e installazioni: questi sono i terreni sui quali l’artista si muove, da sempre per la dignità e salvezza del nostro medio-ambiente.

venerdi 23 maggio
ore 23.30
piazza del comune

paesaggio d’immagini | Paolo Buroni

multivisione architetturale di Paolo Buroni

Spettacolarizzare la piazza di Fabriano con proiezioni di immagini per dare luogo ad un vero e proprio “Paesaggio di Immagini”. La piazza si trasforma in un grande affresco in dissolvenza incrociata e crea assieme alla musica in sottofondo un’ambientazione virtuale a tema in continuo cambiamento